序言
一直以来,在设计学所开设的理论课程中,通常包括世界设计史、中国工艺美术史、设计概论等,久而久之成为了一种模式,对此业内似乎也习以为常了。然而,这对从事专业设计的人来说无疑存在知识漏点,如果仅从上述渠道获取部分“知其然”的单元知识,而不是系统地了解掌握“所以然”的内在成因,必然在日后的设计实践中显得功力不够,底气不足。如此学习模式不仅过于碎片化,而且大有隔靴搔痒之感,同时也折射出在教学环节上的严重缺失。时至今日,设计业内创新、创意加原创的呼声一片,不绝于耳。当我们清静一下,再度回首先人们的造物历程时,豁然发现我们眼下缺失的不只是疲于追赶,而恰好是没能很好地挖掘和温故知新。其主因就是缺少经典的考究及本质的支撑,使得诸如此类的创意和原创流于平淡或被解读为肤浅。从专业设计角度而言,应当说任何一种器物成型的背后都有着人文寓意之间的联系,值得发现和汲取其中的奥妙与精髓,以及深层次的考证古今器物造型、结构、制作工艺等产生的变革缘由,探究不同背景下的人文变化和行为规范。
现如今,中国结、灯笼、官帽椅、唐装和京剧脸谱这些耳熟能详的中国元素以各种方式呈现在人们面前时,更多的学者和设计从业人士开始关注“如何将中国传统元素与现代产品设计相结合?”“怎样看待国际化与中国风对设计的影响和牵制?”“中国制造怎样转向中国‘智’造?”随之诸如此类的尝试在设计中抛头露面。有的迫不及待地将具有中国传统特征的设计元素与产品进行“表面结合”,以为这会是一条捷径;有的索性将这些元素当成产品的语义符号一用了之。起初人们还颇感新奇,可稍加品位发现不过是样式移植或形式转换而已。结果适得其反,非但没能推陈出新反更加剧了审美疲劳。
设计是人类文明的产物,也是国家经济发展的晴雨表,更是业内的导航灯。同样学习研究中国古代器物史,是当今设计领域不可或缺的文化结晶和原始素材,不失为是历史的影子、灵感的来源。一方面有助于了解先人如何以聪慧的想象物化出如此智慧的匿名设计。另一方面得以借鉴先人经验,在巨人的肩膀上,将这一精髓融入到现代设计之中。
在研讨器物史和分享先人造物成就的同时,让我们看清了这不仅是后人的成功之路,更是设计教育的必由之路。如此践行才会产生实质的创意内涵和原创外延,形成可持续的创新生态。
正基于此,促成了我们编写《中国古代造物设计史》一书的愿望,力求从专业设计的角度去解读中国古代的造物思想和实现手段。本书以社会文化和历史条件为基础,以经典的器物实例为背景,从器物种类、器物造型、功能结构和制作工艺几方面,重点对其造型、色彩、纹饰、质感、量感及使用方式等作了较详尽的叙述和分析。希望与大家系统地了解中国古代传统的演变脉络、造物知识,发掘先人在造物过程中的思维及行为方式,并将这些精华和智慧与当今的设计理念相互吸纳、相互融合、继承发展。由于史类内容多且广,限于时间及篇幅,书中难免存在缺失之处。在此,希望读者们提出宝贵意见,以便今后补充和完善。
二○一四年三月于鲁迅美术学院